Bildhauerei des 20. Jahrhunderts: die Suche und die Entdeckung
Wie alle Kunstformen durchläuft auch die Bildhauerei zu Beginn des 20. Jahrhunderts eine schwierige Phase der Suche nach neuen Formen. Auguste Rodin spielt bei dieser umfangreichen Suche die erste Geige. Der große Meister wird zum Gesetzgeber auf dem Gebiet der Bildhauerei, seine Vorschläge werden von Kollegen und Kritikern gleichermaßen mit Begeisterung aufgenommen. Die gesamte Bildhauerei des 20. Jahrhunderts geht auf Experimente in Rodins Werkstatt zurück.
Das Werk des Meisters ist voll von Neuartigkeit, einer für den Realismus untypischen inneren und äußeren Dynamik, einer spürbaren Energie und einer Ablehnung zahlreicher Konventionen. Rodin bleibt jedoch innerhalb der üblichen Formen und realistischen Bilder. Die Bildhauerei bleibt die „konservativste“ Form der Kunst, bis die Kubisten in die Ästhetik der Plastizität eindringen.
Die Kubisten konnten die volumetrische Kunst nicht ignorieren. Es lag in der Natur dieser Strömung, dass die Meister in zweidimensionale Kunstformen gezwängt werden mussten. Aus diesem Grund haben sie sich für die Lautstärke entschieden. Die ersten Werke von Bildhauern, die sich entschlossen, mit der jahrhundertealten Tradition des Realismus zu brechen, wurden von Kennern und Kritikern mit großem Misstrauen aufgenommen. Picasso, Laurent, Duchamp-Villain – kaum ein Meistermaler konnte der Versuchung widerstehen, sich an der Plastik zu versuchen.
Diese Periode der Bildhauerei ist gekennzeichnet durch Formverschiebungen, gegenstandslose Kompositionen und das Experimentieren mit verschiedenen Materialien. Alle kubistischen bildhauerischen Innovationen waren schnell verpufft, das Europa der Zwischenkriegszeit brauchte eine andere Ästhetik.
Die totalitären Regime der 1930er Jahre verlangten von den Bildhauern eine Pathetik, eine Feier der Macht und der Monumentalität. Begabte Bildhauermeister in Deutschland, Italien und der UdSSR waren damit beschäftigt, die Arbeit zu poetisieren, die Führer zu preisen und mit ihren Kollegen aus anderen Ländern zu konkurrieren. Büsten und Skulpturengruppen von Arno Brecker, dem offiziellen Bildhauer der Nazis; das berühmte Arbeiter- und Kollektivbauernmädchen von Vera Muchina; eine Reihe von pseudo-antiken Werken italienischer Meister, die von Mussolini bevorzugt wurden – all diese Werke waren das Ergebnis einer totalen politischen Einmischung in die Kunst.
Der unbestrittene historische Wert und das Talent der Meister erlauben es nicht, die zahlreichen Werke aus der Zeit der Diktatur als einen gewissen „Durchbruch“ in der Entwicklung der europäischen Skulptur zu betrachten. Sie versuchten, die Erfahrungen der vergangenen Jahrhunderte an die Bedürfnisse der Gegenwart anzupassen.
Das Bestreben der Nachkriegskünstler, vom Realismus wegzukommen, lässt sich leicht mit dem kurz zuvor beendeten Weltschlachten und dem Zusammenbruch der faschistischen Regime erklären. Die Realität ist zu unattraktiv, um sie darzustellen. Die Meister der bildenden Kunst suchen nach neuen Ausdrucksformen für die Schönheit der Welt. Der Surrealismus bietet viele Möglichkeiten für diese Suche. Der Gegenstand des Bildes wird zu einem Traum, einer Halluzination, einer Fata Morgana, einer Vision. Wer sich für die Werke aus dieser Zeit interessiert, kann die Bilder unter folgendem Link kaufen: http://price.ua/catalog4780.html.
Die Schwierigkeit für viele Meister bestand in der völligen Abkehr von den üblichen Formen und Inhalten. Der unermüdliche Dali versetzte viele in Angst und Schrecken und machte sie misstrauisch gegenüber trivialen Nachahmungen und völligem Unsinn. Ernst, Schwitters, Arp – alle großen Meister der neuen Strömung orientierten sich in ihren Werken an den alten ästhetischen Normen.
Die Postmoderne mit ihrem Streben nach Provokation, Spiel, Illusion konnte die ganze tausendjährige Geschichte der Skulptur verdauen und aus jedem Stil etwas Besonderes mitnehmen. Durch ständiges Kombinieren, Umgestalten, kreatives Überarbeiten der neuen Richtung, die in der Tat als hundert Mikrorichtungen betrachtet werden kann, schafft er erstaunlich unterschiedliche Werke. Sie enthalten viele Ideen, Mehrdeutigkeit und Vielseitigkeit, offene Provokationen und Plagiate, die auf einen Sockel der „Replik des Ewigen“ gehoben werden.
Die Postmoderne hat keine Angst vor Experimenten und macht sie zu einem notwendigen Bestandteil des kreativen Prozesses. Sie will überraschen, schockieren und starke Gefühle beim Betrachter wecken. Die stilistische Vielfalt wird jedes Jahr komplexer und lässt sich kaum noch einordnen.